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"The Art of Frozen" (en español llamado "El Arte de Frozen") (ISBN 978-1-45211-716-4) Es un libro que cuenta con el arte conceptual creado para Frozen, incluyendo la realización de personajes, lugares, guiones, guiones gráficos en color, y más, junto con entrevistas con artistas de producción acerca de la realización de la película.
Descripcion[]
En la película de Walt Disney Animation Studios, Frozen, la optimista y temeraria Anna se embarca en un viaje de trabajo en equipo con el hombre robusto de montaña Kristoff para encontrar a su hermana Elsa, cuyos poderes de hielo han atrapado en el reino de Arendelle en invierno eterno épico. El encuentro con las condiciones de Everest-como, Anna y Kristoff combaten los elementos en una carrera para salvar el reino. El arte de Frozen cuenta el concepto de arte de la elaboración de los estudios de personajes con película incluida y esculpe, los guiones de color, guiones gráficos, y más junto a entrevistas con los artistas de la película acerca de la realización de esta comedia de aventuras.
Contenido[]
El libro consta de 159 páginas divididas en cuatro capítulos, más una introducción y prólogo (Las descripciones de los diferentes personajes y ideas sobre su desarrollo se intercalan a lo largo de los capítulos) :
- Prefacio
- Avant-propos
- Introducción: De "La Reina de las Nieves" a Frozen
- Prologo: Un Asunto Familiar
- Capítulo 1: Coronación
- Anna
- Elsa
- Hans
- Duque de Weselton
- Diseño de Vestuario
- Capítulo 2: Naturaleza Salvaje
- Kristoff
- Sven
- Olaf
- Trolls
- Capítulo 3: El Palacio de Hielo
- La Reina de las Nieves
- Marsmallow
- Capítulo 4: Regreso a Arendelle
Introducción: De "La Reina de las Nieves" a Frozen[]
Después de muchas proposiciones diferentes, Disney decidió hacer su adaptación más orientada a la familia.
Frozen es una libre adaptación del cuento de hadas de Hans Christian Andersen, La Reina de las Nieves. Walt Disney se sintió atraído por los cuentos de Andersen, debido a su vasta presencia emocional. La Reina de las Nieves se convirtió en uno de los muchos intentos por Walt Disney para adaptar las historias del autor danés, que finalmente culminó en obras como La Sirenita.
Sin embargo, La Reina de las Nieves resultó ser un cuento difícil de abordar desde un punto de vista para una película de dibujos animados. Aunque Disney había determinado el tema principal de la historia como "la regeneración por la fe", y señaló que la historia "ata los cabos sueltos", se consideró que era "muy interesante y justo se desvaneció y acabó en la nada." La historia de Andersen ha sido muy elogiada por los estudiosos, pero es una historia prolongada, episódica y sombría. Sin embargo, la perspectiva de la animación de una reina con un reino congelado mantiene viva la visión durante setenta años.
En la mayoría de los proyectos para las versiones de La Reina de las Nieves, Disney había descartado a el troll y su espejo, y se hizo necesario elaborar un motivo para dejar a Kai, como ir a la mar en un barco ballenero para impresionar a Erica, quien representaría a Gerda. En otra versión, Gerda es Greta, una conocida buscadora de oro, y Kai termina casándose con la Reina de las Nieves. Pero con todas estas proposiciones, las historias carecían de personajes definidos y narraciones convincentes, aunque la obra fue increíblemente diversa y hermosa.
La Reina de las Nieves se convirtió en Frozen después de que John Lasseter y Chris Buck comenzaran a desarrollar una versión musical de la historia. Los realizadores luego abandonaron el enfoque de Andersen en el viaje de Gerda y se centraron más en la Reina de las Nieves del mismo nombre. La historia llegó a un punto crítico cuando se decidió que la heroína y villana serían hermanas con un pasado compartido.
Prologo: Un Asunto Familiar[]
Frozen en última instancia se convirtió en una historia sobre dos hermanas.
Centrándose en Elsa y Anna y su vínculo fraternal, Disney finalmente tuvo una base para la adaptación del cuento de Andersen para una película tradicional característica de tres actos, desviándose simultáneamente de la estándar de Disney, "la historia de princesas encontrando a su príncipe." Para entender correctamente a Elsa y su vínculo con Anna, los artistas de Disney celebran un evento que llamaron la "Cumbre de la hermana", en la que llevaron a las mujeres de Disney Animation Studios que crecieron con hermanas para dar una visión sobre su relación, pintando un cuadro de conflictos, angustia, y corazón. El equipo de Frozen comenzó a tener una idea de la trama y la resolución: "Se trata de dos hermanas ayudándose una a la otra, y su relación rota y cómo repararla."
Después de la solidificación de la historia, el equipo estaba listo para seguir adelante con el arte y animación, para tomar ideas y transformarlas en una experiencia visual. Al igual que los escritores, los artistas también utilizaron aspectos de sus propias vidas para expresar el poder más emotivo y visual posible. Sin embargo, por encima de todo, el objetivo era tener una película que resuene, independientemente de las generaciones. Como tal, El equipo de Frozen sacó en 2010 la película de Disney, Enredados, para crear una experiencia de cuento de hadas que era a la vez mágica y tenía un toque contemporáneo.
Capítulo 1: Coronación[]
El pueblo que aparece en Frozen se basó en gran medida en los diseños de la localidad noruega de Balestrand, en particular la colocación asimétrica de los edificios.
El primer capítulo se centra principalmente en la introducción de la ambientación de la película y los personajes relacionados con la realeza. Temprano la producción de la película, decidió que Arendelle se basaría en Escandinavia. Chris Buck y John Lasseter se acercaron a su buen amigo de CalArts, Michael Giamio, para asumir el papel de director de arte de la película y supervisar la creación de un mundo con un "nivel de complejidad y atención al los detalle del vestuario de los personajes" que nunca se había hecho en una película generada por computadora. Junto con la directora artística ayudante, Lisa Keene, el diseñador de producción David Womersley, y algunos otros artistas, Giaimo visitó el pueblo danes de Solvang en California, donde se enteraron que había muchas culturas escandinavas, cada uno con sus propias tradiciones específicas. Finalmente, la película cambió su enfoque particular en la arquitectura y la cultura Noruega.
Al darse cuenta que un motor de búsqueda sólo podía producir muchos resultados, un grupo de artistas fue a Noruega para hacer la investigación visual de la película. Los artistas visitaron la localidad noruega de Balestrand, que proporcionaría la inspiración principal de las estructura de el pueblo que aparece en la película, la capilla donde se coronó a Elsa, y varios otros estilos arquitectónicos para el reino. El pueblo se basa específicamente en el estilo arquitectónico noruego "Dragonstil", una mezcla de la estética victoriana de finales del siglo XIX con diseños rústicos noruegos. El castillo, por el contrario, se inspiró en iglesias de madera noruegas del siglo XII, que ofrecen una línea de techo similar y detallada.
Los desarrolladores de Frozen utilizaron patrones noruegos llamados "Rosemaling". Cuentan con complejos diseños florales. El Rosemaling aparece en los conjuntos y los trajes de los personajes.
Los desarrolladores fueron particularmente golpeados por la inmensa presencia de los ricos modelados, texturas y formas que aparecen en Noruega. Uno de estos tipos de patrones era el Rosemaling, Traducido como "pintura de rosas"; es un complejo estilo de ornamentación que surgió en los valles rurales de Noruega en la mitad del siglo XVIII y fue utilizada por los artistas de Disney para decorar elementos en la película, sobre todo trajes y conjuntos. Había un desafío en la integración de un gran nivel de detalle en la película de una manera que no abrumara a los espectadores, los desarrolladores trabajaron incansablemente para asegurar que todos los colores y patrones estén armonizados para producir una mirada que era "fresca y viva, pero no demasiado densa".
En un sentido general la ambientación de la película estaba determinada, los escritores y los artistas estaban dispuestos a aplicar esto a los personajes.
Anna[]
Arte conceptual de Anna.
Tras el éxito de Enredados de Disney, era difícil hacer a Anna el personaje central de la película, ya que ella es notablemente diferente a Rapunzel, una heroína asociada con lo sobrenatural. Aunque esto era una disuasión, los escritores y artistas en última instancia, aceptaron que Anna tendría su propia personalidad; la animación de Anna produce movimientos claramente diferentes a los de Rapunzel, movimientos que son más rápidos y peculiares. Y a pesar de su falta de poderes, el director de la historia Paul Briggs señaló que la mayor fortaleza de Anna viene de su voluntad para estar junto a los demás.
Los atuendos de Anna fueron sometidos a rigurosos estándares estéticos para adaptarse a su título y personalidad. Para su atuendo de invierno, el objetivo era aplicar un aspecto llamativo y audaz que era elegante al mismo tiempo; Para lograr esto, Anna recibió ricos matices saturados como el azul y el magenta, colores que indican la realeza. Para reflejar la naturaleza soleada de Anna, su ropa a lo largo de los años utiliza colores cálidos como verde amarillo, ocre y oliva.
Elsa[]
Arte conceptual de Elsa.
Otra diferencia en Frozen fue la presencia de un segundo protagonista. Briggs dice: "Elsa es interesante porque podía ser percibida como la villana, pero no lo es." Elsa comienza como un personaje reprimido que se ve obligada a ocultar su verdadero yo y, por encima de todo, necesita a alguien que la mantenga tranquila y la ayude.
Al traer a Elsa a la vida, el objetivo era centrarse en sus poderes. Su vestido de hielo es un testimonio de su magia de invierno, diseñado para ser sugestivo de un cristal de hielo; Tiene un efecto al caminar en el que los colores se reflejan y refractan. Giamio también le dio a Elsa un esquema de colores análogos al hielo y tibios azules para hacer un "efecto sorprendente."
Hans[]
Arte conceptual de Hans. Su apariencia fue diseñada para expresar los atributos de un príncipe: con una fuerte influencia y gracia.
Hans era un caso especial para los escritores y artistas por igual; en muchas de sus películas, Disney ya había representado personajes sometidos a transformaciones, como Aladin y Cenicienta yendo de la baja posición social a la realeza. Sin embargo, Hans se transformaría del príncipe benevolente al villano hambriento de poder.
Cuando se reveló el giro en el personaje de Hans, muchos animadores saltaron a la oportunidad de animar al príncipe y su doble personalidad. El supervisor de diseño de Personajes Bill Schwab afirmó que la tarea más difícil "era asegurarse que ellos cubrieran todos los aspectos de la personalidad del príncipe mientras que nunca mostraran totalmente sus planes a la audiencia." "El atuendo de Hans se inspiró en un "bunad" tradicional de cintura corta; sus solapas negras y cuello están destinados a transmitir" fortaleza heroica". Hans también recibió hombreras y un aiguillette para añadir "un porte principesco."
El Duque de Weselton[]
Arte Conceptual de El Duque de Weselton
El Duque de Weselton fue planeado originalmente como un niñero real inofensivo para Elsa y Anna después de la muerte de su padre y madre. Pero como la historia de Frozen evolucionó, se necesitaba un nuevo personaje, un villano que serviría como "cortina de humo" para la trama.
El duque fue diseñado para ser "realmente quisquilloso", ya que se caracteriza por sus gruesas gafas circulares, el número de medallas en el pecho, la postura de su torso, y su pequeña estatura.
Diseño Del Vestuario[]
Un arte conceptual que representa el nivel de detalle colocado en todos y cada uno de los atuendos.
Fue sólo por imágenes generadas por computadora lo que hizo posible el vasto ámbito de detalle de la película. Con la animación tradicional hecha a mano, habría sido muy difícil producir en repetidas ocasiones los patrones en la capa de Elsa y el Rosemaling colocado en Anna, Hans, y la ropa de Kristoff.
Pero aún así, el equipo de desarrollo visual enfrentó dificultades en el proceso de animación. Había que seguir siendo fiel a los diseños noruegos en toda su comparecencia gráfica y animada. Los animadores además no escatimaron esfuerzos en los pequeños detalles, tales como el movimiento de la tela y la inclusión de materiales como botones, adornos y costuras. Incluso la textura de la ropa destacó; tenía que haber una clara diferencia de los materiales sedosos a la tela de Noruega predominante, lana. El equipo se mantuvo fiel a las influencias Noruegas, después de haber modificado el traje de la reina Idun para quitarle su influencia original rusa.
Los artistas no sólo se centraron en los atuendos de los personajes principales, sino también en los de las multitudes para ayudar a dar forma y vida a los ambientes. Esto era esencial para mantener una constante sensación de estilo noruego en la película.
Capítulo 2: Naturaleza Salvaje[]
Arte conceptual de un sombrío paisaje nevado.
Aunque Arendelle es un lugar importante en Frozen, el viaje de Anna la llevó a las montañas más allá del reino. El segundo capítulo describe el esfuerzo de expresar el medio natural que aparece en la película y presentar a los personajes asociados con el medio ambiente; Sin embargo, Noruega sigue siendo la principal fuente de inspiración, y los artistas se esforzaron para representar sus gélidas montañas con gran detalle, ya sea el paisaje, la flora, o incluso el color del agua.
El reto principal fue la nieve; el equipo de Frozen se estaba esforzando en no mostrar la nieve como una simple y suave, manta blanca. Durante su viaje de estudios a Noruega, Giamio y los otros artistas tomaron nota de cómo la nieve podría adquirir sombras color azul profundo o naranja rojizas, dependiendo de la posición del sol en el cielo. La representación adecuada del paisaje nevado era de suma importancia para transmitir una sensación de "desolación en el ambiente ". Para enfatizar aún más la sensación de estar perdidos a Anna y Kristoff, era necesario hacer un entorno a la vez grande y sombrío para expresar el estar perdido tanto física como emocionalmente. Para retratar la nieve con precisión, muchos equipos tuvieron que trabajar juntos; el equipo de efectos trabajó muy de cerca con los animadores de personajes para asegurarse que los personajes estaban respondiendo adecuadamente a su entorno.
Kristoff[]
Arte conceptual de Kristoff. Su diseño se basó principalmente en la ropa de los pueblos sami.
En un claro contraste con los príncipes tradicionales de los cuentos de hadas animados, Kristoff es un recolector de hielo robusto que carece de encanto y elegancia. De acuerdo con Paul Briggs, Kristoff es como Elsa, también él está ocultando su verdadero yo; él es muy duro en el exterior, pero tiene un "núcleo interior más suave." Al igual que con Elsa, Kristoff es impulsado para abrirse a sí mismo por Anna.
En el diseño de Kristoff, los artistas buscaron transmitir su contraste con Anna, y también la elegancia de Hans. Kristoff recibió rasgaduras en el pantalón para enfatizar la diferencia entre él y los personajes de la realeza. El aspecto general de los Cosechadores de hielo se basa en los trajes de los "sami", los habitantes indígenas de las regiones árticas de Escandinavia. Siguiendo con el tema de los personajes que responden a las situaciones de la película, los animadores consideran cosas como la pesadez de las botas de Kristoff, lo que causaría que el cosechador de hielo se inclinara de una manera particular.
Sven[]
Arte conceptual de Sven. El reno fue diseñado para parecer un "animal cochambroso y para nada ostentoso".
Sven fue diseñado para ayudar al aspecto descuidado de Kristoff; por este hecho Sven es un reno más realista a diferencia de los "pseudo-caballos" en los dibujos animados en los especiales de Navidad. Al igual que su compañero humano, Sven está lejos de ser de la realeza y tiene un aspecto desgastado y rasgado por estar fuera en las montañas. Sin embargo, esto, junto con las cejas expresivas del reno, añade comedia al personaje.
Olaf[]
Olaf era un personaje difícil para el equipo de animación, porque los materiales tenían que ser lo mas reales posibles. Era difícil para los animadores determinar cómo reaccionaría la nieve si realmente pudiera moverse. Olaf se asemeja a Lotso de Toy Story 3, debido a su mutua falta de anatomía; como un osito de peluche, Lotso fue esencialmente una "almohada de forma extraña", y Olaf es poco más que "tres bolas de nieve con palos como miembros." En última instancia, se decidió que para Olaf, la simplicidad sería la clave; como un muñeco de nieve, él sería capaz de tirarse a sí mismo por separado y volver a armarse de nuevo.
Arte conceptual de Olaf. Olaf mostrando su habilidad para desarmarse y volverse a armar él mismo.
En cuanto a su personalidad, el personaje de Olaf fue creado como un niño ingenuo. El artista de la Historia Jeff Ranjo comparó a Olaf como un bebé: "Él acaba de ser creado y no sabe mucho sobre el mundo, así que hay que explicarle las cosas que usted tomaría por sentado, como si se tratara de un niño pequeño.. " Debido a la personalidad de Olaf, los animadores pudieron tomar algunas libertades en lo que el muñeco de nieve haría en vida, sobre todo durante su canción "Verano". Como tales, eran capaces de poner a Olaf flotando en el agua y sentado en la playa. El entorno de la secuencia se basa en la imaginación de Olaf, reflejando sus deseos; Se hicieron entornos que hacían que el mundo pareciera ser más acogedor para el muñeco de nieve.
Sin embargo, con Olaf, también hubo un problema para evitar que se mezclara con los entornos nevados. Al mismo tiempo, era necesario que el muñeco de nieve no sobresaliera demasiado, como si se tratara de un "corte". Variaciones en la iluminación y la textura se utilizaron para lograr el efecto deseado.
Trolls[]
Aunque introducidos tarde en el proceso de producción, Los Trolls no estaban exentos de los mismos detalles en el diseño como los otros personajes.
Los Trolls se introdujeron relativamente tarde en el proceso de producción, pero se diseñaron para ser cómicos en apariencia y desmentir su capacidad para determinar la verdad en los corazones de los demás. Su diseño general se basa en rocas redondas, están equipados con prendas de musgo que cuentan con adornos de Rosemaling. Los trolls también tienen cristales luminosos de roca que se dice son para canalizar la aurora boreal, conectando así a los trolls a su entorno. El objetivo principal era crear una variante del Troll que no fuera genérica, como los brutos visto en El Señor de los Anillos o Harry Potter.
Capítulo 3: El Palacio de Hielo[]
El Palacio de Hielo de Elsa fue diseñado para resaltar la forma hexagonal de los copos de nieve.
Con su dominio sobre la animación de la nieve, El equipo de Frozen estaba listo para pasar a la otra faceta de los poderes de Elsa, el hielo. También hay una breve sección sobre el diseño de la contraparte con más hielo de Olaf, Malvavisco. El hielo resultó más difícil que la nieve debido a su naturaleza ópticamente activa; puede cambiar sus colores, su apariencia ya sea transparente u opaco, tiene una superficie lisa grabada con patrones, y reflejan el entorno o lo distorsionan por completo. En el aspecto técnico, los objetos que tienen la capacidad de refracción son particularmente difíciles de representar con imágenes generadas por computadora, lo que requiere una gran cantidad de tiempo de renderizado.
Para seguir manteniendo la precisión, John Lasseter se reunió con el Dr. Ken Libbrecht, "El Doctor Nieve", de Cal Tech para discutir la formación de los cristales de hielo. El equipo de Frozen también hizo un viaje a el Hotel Glace en la ciudad de Quebec en Canadá para servir como inspiración para el palacio de Elsa. Sin embargo, para avanzar en la historia, había que hacer una distinción entre el "hielo normal" y el "hielo mágico", producido por Elsa; el objetivo era retratarlos de una manera igualmente creíble. Para ayudar a diferenciarlos, los artistas siempre añadieron un diseño de copo de nieve como firma de Elsa, apareciendo en varias ocasiones a lo largo de la película. En última instancia, este copo de nieve apareció en la construcción del palacio de Elsa, para esto se decidió a ser un homenaje al la forma hexagonal que se encuentra en todos los copos de nieve.
La Reina de las Nieves[]
Arte conceptual de Elsa. Su diseño estaba destinado a proyectar estilo, originalidad, y confianza.
La apariencia de Elsa la Reina de las Nieves encarna muchos de los desafíos que enfrentó el equipo de animación de Frozen. En general, los diseños necesarios tenían formas lisas que poseían claridad y movimiento, mientras simultáneamente proporciona énfasis para el rendimiento físico y emocional de los personajes. El aspecto de Elsa fue diseñado para hacer precisamente esto, proyectar estilo, originalidad, y confianza todo esto en combinación con un vestido de corte columna, una mística capa de escarcha, y un elaborado peinado.
Marsmallow[]
Arte Conceptual de Malvavisco
El diseño inicial de Malvavisco consistía en un monstruo gigante construido con nieve y troncos de árboles como brazos, aunque conservó su capacidad de producir púas de hielo. Pasó por al menos cuatro diseños diferentes antes de finalmente obtener su aparición actual.
Capítulo 4: Regreso a Arendelle[]
Arte conceptual de Arendelle congelado. Es la culminación de los artistas para exponer y dar a entender cómo no sólo se representó un escenario con influencias noruegas, sino también como las fuerzas naturales lo han afectado.
Los capítulos finales se tratan sobre los artes conceptuales de los escenarios congelados y la historia para centrarse en la música. También narra los eventos en los meses previos al lanzamiento de la película.
La música era muy importante para la película, cuando Frozen comenzó a retomar un nuevo camino en términos de desarrollo se concibió como un musical. El director Chris Buck considera que "las más emotivas, dramáticas y más divertidas secuencias en la película son las canciones". Sin embargo, las canciones tenían que hacer algo más que acompañar a la película, tenían que ser una parte integral de la experiencia. De acuerdo con John Lasseter, "una buena canción puede proporcionar concisa narración, emocionalmente resonante. Las ideas que se harían tediosas en la exposición, se pueden presentar ordenadamente a través de una canción". Por esta razón, Robert López y Kristen Anderson-Lopez se encargaron de escribir las canciones para la banda sonora, en base a un "sentido muy fuerte para la historia" lo que haría las canciones parte de la estructura general de la película. Los esfuerzos del equipo de esposo y esposa son particularmente evidentes en la canción de Elsa "Libre soy", donde "realmente se puede ver al personaje elaborado".
Aunque los animadores habían resuelto todas las dificultades de personajes y atuendos, y los diseños de entorno, algunas cuestiones finales se mantuvieron. Por un lado, los diseños aún no estaban listos para el estreno de la película en formato 3-D; era imperativo que los efectos visuales fueran especialmente correctos o la audiencia no percibiría la profundidad. Y, a pesar de todos los otros desafíos por superar, el más grande fue el tiempo. En el momento en el que la historia de la película se había convertido en la obra resonante que es ahora, el equipo sólo tenía un año, antes de que la película estuviera lista para el lanzamiento. Sin embargo, el equipo estaba tan empeñado en la película que tanto la representación en 3-D y las limitaciones de tiempo demostraron ser de ninguna preocupación para el equipo, y la película terminada, se estreno en la fecha prevista. Paul Briggs atribuye este empeño en la película a su poder emocional e inspirador: "Tu lograrás que se haga, porque sabes que va a ser grande."